Caravaggio, artista barroco
maestro de todo género
1) CONTEXTO HISTÓRICO-ARTÍSTICO:
El barroco utilizará las formas heredadas del
clasicismo, pero con tendencia hacia la grandiosidad y la complejidad
acumulativa, añadiendo un simbolismo y un naturalismo virtuoso de las
apariencias, que serán protagonistas no solamente del estilo, sino de la época.
Éste complejo mundo cultural no solamente maneja las formas clásicas con
criterios y objetivos nuevos, sino que responde a un sistema de vida y pensamiento
propios. No se puede eludir el cambio de mentalidad a partir de avances
científicos como los de Kepler y
Galileo, que entraba en colisión con las verdades reveladas y que situaban al
hombre en el centro del mundo, o de las reflexiones filosóficas de Bacon o
Descartes, que resaltaban el valor de lo experimental y la razón, y proclamaban
la pequeñez del hombre en el universo. Esto se traducirá en el arte como un
interés por lo sensorial y la aceptación del mundo material y el de la
naturaleza, aunque se utilice en sentido simbólico. El arte se valorará como expresión sentimental y emotiva,
destinada a enviar mensajes que actúen sobre el ánimo del espectador:
por un lado tenemos el arte al
servicio de la propaganda católica, propia de la llamada Contrarreforma, y
que se caracterizará casi siempre por ser de carácter austero. Se buscaba con
él, ilustrar la verdad del Dogma formulado por el Concilio de Trento, realzando
el poder de la Iglesia y del Papa como Vicario de Cristo en la tierra. Se busca
la clarificación
de las imágenes sagradas, debiendo responder a un estilo sencillo y
comprensible, que invitase a la devoción sentida. Por otro lado tenemos el arte al servicio de las monarquías
(pues es un siglo de consolidación de las monarquías absolutas), y
utilizarán el arte como exhibición de poder y ostentación de la riqueza,
cuyo punto culminante podemos decir que es con el ascenso de la Francia de los
Borbones (en detrimento del Imperio Español), y sobretodo con Luis XIV. Aun
así, Roma mantendrá su posición de liderazgo en cuanto a centro de difusión del
arte, además de ser la capital del mundo católico.
2) MHICHELLANGELO MERISI DA
CARAVAGGIO:
2.A) CRONOLOGÍA INELUDIBLE[1]:
Michellangello Merisi da Caravaggio: 1573, Caravaggio – 1610, Porto École.
1584 – Taller de
Simone Peterzano
(pintor que dice haber sido alumno de Ticiano. Tiene elegancia y hermosura en
sus figuras, pero no se le considera ningún prodigio). Aun así efectúa sus
obras con impecabilidad. Se supone que fue quien enseñó las técnicas de la
pintura, del dibujo y la perspectiva al joven Merisi, posiblemente adquiriendo
de ahí el realismo empírico de tradición lombarda.
1588 - Caravaggio
viaja a Roma, y al poco tiempo es presentado al Cavalier d’Arpino, primer pintor de Roma. Éste
hará que Merisi se ejercite con modelos clásicos y aprenda sobre
alegorías y metáforas, y además le hará realizar naturalezas
muertas compitiendo con la pintura flamenca, además de pinturas de
caballete “para vender”.
1590/98 - Realiza las pinturas de San Luigi
dei Francesi.
1600 - Realiza las pinturas de Santa María
del Popolo.
1602 – Realiza las pinturas de la “Déposition
Vaticane”.
1606 – Muerte de Ranuccio da Teramo, a manos
de Michelangelo Merisi. Es declarado culpable. Antes otras riñas le habían llevado
a la cárcel, pero siempre sus mecenas intercedían por él. Es condenado, se
escapa e inicia una vida de viajes e inestabilidad (aun mayor).
1607 – Nápoles. Sufre un altercado en el cual
le queda el rostro desfigurado.
1608 – Malta.
1609 – Siracusa, Mesina, Palermo. El 24 de Octubre recibe la noticia de
que su condena ha sido indultada, y decide regresar a Roma. Durante el viaje
sufrirá unos altercados que finalmente lo llevarán a morir en Porto École, sin
llegar a Roma.
2B) NATURALEZA MUERTA:
Sigue siendo un tema discutido sobre si
Merisi pintaba o no naturalezas muertas independientes. En aquél momento se
consideraba “inferior natura”, pero él se revela como una mente avanzada a su época
sobre ello, pues él afirmó que “hacer una buena pieza de flores le costaba
tanto trabajo como pintar figuras humanas”[2].
Se conserva su obra “Cesta de Frutas”, pintada en 1597, en la que se
observa su gran dominio de tratamiento de calidades, y sus “trucos” para causar
efecto de realismo, con la cesta sobrepasando la línea que la soporta, o
acentuando los efectos del oscuro sobre el fondo claro, creando efectos de
profundidad. Además, se la considera un experimento de estabilidad dinámica.
Las frutas, aunque realistas no están idealizadas, pues la mayoría están
picadas, posiblemente aludiendo a la fugacidad de la vida. Sobretodo utilizará
la naturaleza muerta para sus alegorías de jóvenes, muy comunes en sus inicios
en Roma.
2.C) AUTORRETRATOS: se incluirá a si mismo en algunas pinturas.
En “El
martirio de San Mateo”, vemos una figura al fondo, a la que se ha
identificado como un autorretrato de Merisi. Vemos en su rostro una expresión
melancólica, y como de su tronco contorsionado sale un brazo que alarga la
mano, queriendo alcanzar la espada del martirizador.
En el “Bacchino Malato”, pintado durante una enfermedad cuando estuvo
Roma. Se muestra como uno de los muchacho seductores a los que pinta como
alegorías, comparándose de igual manera con las frutas, puede que esta vez
haciendo referencia a su enfermedad y a la relación perdida por esto con el
Cavalier d’Arpino, el cual no fue a visitarle.
En su “David
con la cabeza de Goliath”, realizado ya en su madurez, después de las
atrocidades que ha vivido, se siente cansado y con un último aliento de vida,
lo cual demuestra autorretratándose como el Goliath abatido. En esta fecha ya
tenía el rostro desfigurado por el incidente de Nápoles. Lo último que le había
hecho ilusión había sido el poder convertirse en caballero en Malta, pero tras
el conocimiento de su incidente con Ranuccio de Teramo, fue expulsado. Teniendo
en cuenta que era un hombre de fe, pero impulsivo, debía sentir una enormidad
de contradicciones. Los que le conocieron le han descrito de mal carácter, de
loco y trastornado, pero sobretodo al final de su vida.
2.D)
DE TEMA MITOLÓGICO:
Como hemos dicho con el Cavalier d’Arpino aprende mitología, y su iconografía. La obra más destacada de su producción de este género de la que se tenga constancia es la de “Judith decapitando a Holofernes”, en la que nos llama la atención la búsqueda de la representación del instante preciso de la decapitación, con las expresiones pertinentes de los rostros (la de desconcierto y temor de Holofernes, y la de asqueamiento y determinación de Judith). Huyendo de la idealización, el rostro de la sirvienta también nos sorprende con el acertado estudio de un rostro sin dentadura que espera fríamente para recoger la cabeza.
Judith decapitando a Holofernes. Abajo y a la derecha, detalles.
2.E) PINTURA MURAL:
Pintura mural Ludovisi. Detalle
Solamente
realizó una que nosotros tengamos constancia, que es la “Pintura mural Ludovisi”, pintada entre 1597/98. Se sabe que tenía
predilección por la pintura sobre tela, y que rechazó el realizar una pintura
mural durante su estancia en Siracusa. En la obra observamos como ha pintado en
la bóveda de la estancia un cielo abierto, con una arquitectura pintada que lo
limita, y con magníficas figuras con escorzos muy estudiados, en los que se
observa una influencia de Mantegna.
2.F) PINTURA DE GÉNERO:
.
por considerarlos los más verdaderos. Estudia los “…movimientos y reacciones en su instantaneidad, a fin de captar la diversidad y anormalidad de las fisonomías…”[3] Realiza estudios no solo fisionómicos sino psicológicos para cada situación, como hemos visto en el tema mitológico. Las escenas son diferentes y abundantes, desde la cuotidiana escena romana de la gitana leyendo, jugadores de cartas con timadores incluidos, a alegorías de jóvenes con naturalezas muertas, alegando a la juventud, el engaño y el amor. Estas obras son en general pinturas de caballete “para vender”, normalmente destinadas a literatos y amantes del arte, y de algunas realiza réplicas a petición de sus comitentes, en las que observamos variaciones cromáticas, y con diferentes estudios de la luz.
. Arriba y a la derecha, detalles de “Los tramposos”
2.G) TEMAS RELIGIOSOS:
A finales del s.XVII, “las
sacras conversaciones van desapareciendo para dejar sitio a las narraciones que
la contrarreforma fomenta y que han de ser edificantes. Episodios de martirio,
santos en éxtasis, siempre basados en fuentes bíblicas y hagiográficas, y en
los que, a ser posible, aparezcan caracteres de marcado patetismo”[4].
Para ello, Caravaggio introduce las innovaciones que ha conseguido: los trata
como pinturas de género insertadas en un ambiente lo más natural posible,
utiliza también los modelos de la calle, evocando asi el nexo de unión entre lo
humano y lo divino, y acercándolo más a una situación real (de la realidad que
él vivía), pues su intención no era desacralizar a los santos que pintaba, sino
todo lo contrario, retornando a los orígenes de la iglesia, con una pintura
“más pura y natural” que la pomposa e idealizada del renacimiento. Así se
demuestra cuando vemos que, a pesar de la utilización de los modelos de la
calle, realiza los detalles en consonancia con las escrituras, como por ejemplo
en el “Descanso en la huida de Egipto”,
se inspira en “El cantar de los cantares” para teñir de rojo los cabellos de la
María, como la esposa del cantar, y aunque representa en el ángel un cuerpo
juvenil medio desnudo, como en sus alegorías, lo despoja de los toques de
sensualidad que aquellos poseían. Lo mismo podemos decir de “La Virgen de los Peregrinos”, realizada
para la iglesia de San’t Agostino, donde además de un hermoso contraste entre la piel y las telas
de la Virgen, se observa un tratamiento distinto entre lo celestial y lo
terrenal, reforzado por el escalón sobre al que está subido la Virgen.
"La vocación de San Mateo", detalle.
Aun así, si sus obras de género resultaban
escandalosas, no fueron menos las religiosas, por lo que ha dejado como legado
numerosos pentimenti, como en el caso
su primera obra importante, para San Luigi Dei Francesi, el “Martírio de San Mateo”, que además de
una obra primera, rechazada “por la
vulgaridad de la pose” (destruida en la segunda Guerra Mundial), en la segunda
y definitiva se han podido detectar diversos arrepentimientos. Otro elemento a
destacar, es el adaptamiento a la arquitectura en sus obras de la Capilla
Cerasi de Santa María del Popolo, “Martirio de San Pedro” y “Conversión de San
Pablo”, donde no solamente realiza unos magníficos estudios de escorzos, sino
que además adaptados al lugar arquitectónico, donde cobran sentido las
deformidades realizadas en la obra. “La Vocación de San Mateo”, sería un claro
ejemplo de tratamiento como pintura de género en una obra religiosa, donde se
representa el momento de la llamada de San Mateo, justo cuando se encuentra en
medio de sus negocios en una especie de taberna de la época, y todos llevan
vestimentas contemporáneas al autor. También esta obra refleja el estudio que
realizaba el pintor de sus obras, incluso realizándolas “alla prima”, pues se
observa en la mano de Jesús el modelo del Creador, realizado por Miguel Ángel
en la Capilla Sixtina. En esta obra también encontramos las características más
esenciales en su modo de obrar, pues utiliza una luz de contrastes, una luz
artificial que moldea las formas que salen de la oscuridad, y ni siquiera Jesús
está exento de ser un modelo de la calle. Esto unido a sus magníficos escorzos,
hace que las figuras parezcan salirse del lienzo. También aquí realiza un
estudio psicológico y de acciones de cada personaje.
"Sacrificio de Isaac"
Una de las obras que perteneció a la
colección española de Caravaggio, pero que actualmente se encuentra en el extranjero (“Sacrificio de Isaac, 1598, actualemente
pertenece a la Colección Barbara Piasecka Johnson de Princeton), nos
muestra la maestría con que Merisi pinta primeros planos.
Observamos una tendencia a la interpretación como la
actividad de un genio impulsivo y algo desorientado en busca del saber, en la mayoría de las bibliografías. Sus
conocimientos variados (pintura lombarda, romana y flamenca) le abrieron muchas
puertas a lo largo de su vida.
BIBLIOGRAFÍA:
BIBLIOGRAFÍA:
-“CONFESIONES Y ENCARGOS, Ensayo de arte”.
Por Simon Schama. Ed. Península Atalaya.
-“INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL
ARTE: El siglo XVII”. Por Madeleine y Rowald Mainstone. Ed.
Gustavo Gili, S.A.
-Caravaggio, Milano. Ed. Electa.
- “Estudios sobre Caravaggio” de Walter Friedlender. Alianza Forma. (Pág. 178:
alusión a la afirmación recogida por Giustiniani).
- “ASTRA – ARENGARUM , Collection de
Monographies d’Art, Peintres 22, Caravaggio”. A. Lucini e C.
-“ArtBOOK. Caravagio, una
revolución terrible y sublime”. Serie de monografías a cargo de Stefano
Peccatori y Stefano Zuffi.
-Realismo y Espiritualidad:
(exposición) Campi, Anguissola, Caravaggio y otros artistas ceremoneses y
españoles en los Ss. XVI - XVIII.
[1] “ASTRA
– ARENGARUM , Collection de Monographies d’Art, Peintres 22, Caravaggio”.
A. Lucini e C.
[2] “Estudios sobre Caravaggio” de Walter Friedlender. Alianza Forma. (Pág. 178:
alusión a la afirmación recogida por Giustiniani).
[3] “ArtBOOK.
Caravagio, una revolución terrible y sublime”. Serie de monografías a
cargo de Stefano Peccatori y Stefano Zuffi. (Pág. 86).
[4] “ArtBOOK.
Caravagio, una revolución terrible y sublime”. Serie de monografías a
cargo de Stefano Peccatori y Stefano Zuffi. (Pág. 69).
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